Après la Seconde Guerre mondiale, une énorme période de transition a suivi à travers l’Europe et les États-Unis. Une reconstruction majeure était à l’ordre du jour à travers l’Europe et, lentement, une prospérité et une abondance croissantes ont été appréciées par la population de ces territoires. C’était l’aube d’une nouvelle ère, mais ce n’est que dans les années 1960 que l’émergence de la société « de consommation » a suscité une demande de biens qui étaient tout simplement inaccessibles jusque-là.
Le pop art britannique remonte au milieu des années 1950. Un petit groupe indépendant composé d’artistes notables de l’époque et de critiques du monde de l’art a organisé une exposition qui s’est tenue à la Whitechapel Art Gallery en 1956. Cette exposition était axée sur le thème des produits de consommation bon marché et le rôle qu’ils jouaient. dans la vie moderne. Même si cela ne semblait pas être le cas à l’époque, l’exposition constituait une avancée majeure dans le monde de l’art et un énorme écart par rapport à ce qui l’avait précédé. Le critique d’autrefois, Lawrence Alloway (1926-1992) l’a salué comme la naissance de quelque chose de nouveau et en 1958 il a baptisé ce style d’art distinctif comme « Pop Art ».
Richard Hamilton (né en 1922), dont les œuvres représentaient des voitures, des modèles de pin-up et des appareils électriques, entre autres, était la figure clé de la scène pop britannique qui a suivi. Peter Blake (né en 1932), quant à lui, se concentrait sur les bandes dessinées et les chanteurs pop tandis que le collectionneur de magazines Eduardo Paolozzi (né en 1924) produisait des impressions de collage impressionnantes en recyclant et en intégrant du matériel publicitaire ancien avec des images de bande dessinée.
Quant aux États-Unis, dans les années 50, le monde de l’art était dominé par « l’expressionnisme abstrait ». Ce n’est qu’au début des années 1960 que les critiques d’art et les artistes américains ont commencé à embrasser le Pop Art et à donner à ce nouveau style d’art leur propre « prise » inimitable américaine. En 1962, une exposition intitulée « New Realists » a eu lieu à la Sidney Janis Gallery de New York. C’était révolutionnaire en Amérique, notamment parce que l’exposition présentait des œuvres d’artistes comme Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (né en 1929), Jim Dine (né en 1935) et James Rosenquist (né en 1933). Parmi ceux-ci, Warhol, Lichtenstein et Oldenburg sont devenus des figures clés du monde du pop art. Warhol est devenu un nom familier.
En effet, la renommée de Warhol a augmenté en 1962 après que son œuvre « Campbell’s Soup Cans » a été produite et présentée dans des œuvres séparées – d’abord sous forme de « canettes » individuelles, puis les mêmes canettes alignées en rangées immaculées. Marilyn Monroe et Jackie Kennedy, probablement les plus grandes icônes féminines des années 60 à l’époque, ont également reçu le « traitement Warhol » dans lequel il sérigraphie leurs images, modifie les couleurs et les reproduit en motifs répétés.
Roy Lichtenstein était vraiment un artiste de la « bande dessinée » et a produit des masses d’œuvres en utilisant des images de bandes dessinées. À partir de 1960, il peint des images énormément gonflées de cadres de bandes dessinées formés à partir de points de papier journal couleur. Au cours de la même année, Oldenburg a entrepris de se tailler sa propre niche dans le monde du pop art, créant de grandes sculptures en plâtre peintes de sandwichs et de gâteaux! Ceux-ci ont été rapidement suivis par d’énormes appareils en plastique qui ont été ramollis pour leur permettre de donner un « affaissement » distinctif. Tout cela a été conçu pour explorer la nature de la « culture de consommation » qui balayait les nations des deux côtés de l’Atlantique.
Avec un commerce de masse grandissant à un rythme alarmant (et apparemment sans fin en vue), le « Pop Art » reste très vivant et peut-être encore plus émouvant et suscitant la réflexion aujourd’hui qu’il l’était même au milieu du XXe siècle.
