L’œuvre d’art, le cas échéant, est devenue plus conceptuelle avec l’incidence des médias numériques. Bien que Picasso soit toujours considéré comme le parrain de l’art moderne, si ce n’est l’art en général — certains citent que Picasso a redéfini de manière permanente le domaine de l’art et de la critique d’art — il reste que l’art se compose de catégories fondamentales, catégories qui étendre dans plusieurs directions.
L’une des directions que l’art élargit est de créer de nouvelles catégories. Une autre consiste à réexaminer l’utilisation du médium esthétique ou conceptuel qui est déjà illustré par un exemple de catégorie précédente. Je vais peindre un tableau que le cubisme a été le premier véritable art conceptuel. En tant que telle, l’histoire n’avait vraiment aucun exemple antérieur de l’exploration des catégories. Les exemples précédents, tels que l’art classique, le fauvisme et le romantisme étaient des catégories interconnectées par une innocence à propos du conceptualisme et de la critique. Je cite, par exemple, que certains de ces médias se sont produits avant l’existence de la photographie, et bien que je pense que la photographie est un médium raté qui équivaut à une exploration de jeux vidéo — le jeu vidéo étant une condition plus avancée du même médium- – ces exemples antérieurs de catégories étaient eux-mêmes des explorations innocentes de la photographie. Cela peut sembler remarquable.
Ensuite, nous pouvons tracer quatre catégories exclusives qui définissent l’art tel qu’il a émergé au 21e siècle — une fois, je dirai, qui n’est pas sans histoire, échouant simplement à standardiser son histoire avec la même conscience divine dominatrice des précédents. millénium; en un sens, l’absence de perspective est une absence de Dieu, mais je laisserai cela comme un corollaire qui ne porte pas directement sur l’histoire et la théorie de l’art.
Fondamentalement, si nous interprétons une catégorie qui doit exister derrière le mur aveugle de l’art classique photographique (prouvé par le matérialisme mathématique), c’est peut-être l’art apocryphe, l’art de l’instinct primitif qui anticipe toujours des figures telles que la Tour de Pise, la Mort de Socrate, et peut-être aussi les Proverbes tels qu’ils ont été illustrés. Il est défini comme un art proto-mathématique, un art secret, mais aussi dans un certain sens un art qui reste incomplet. Il s’appuie sur le béton pour dire des choses que seul le béton pourrait dire – par conséquent, les images dont on se souvient comme archaïques sont pleines de chasse, de mort et de destruction. L’exception dans l’art étrusque — célébration, exubérance — est vraiment une expression de l’humeur classique, des dieux ascendants, ce que j’appellerai les dieux du modernisme — n’avons-nous pas d’automobiles comme des chars volants, l’abondance et des histoires sur les femmes? Cela a peut-être même inspiré Picasso. Ainsi, la troisième catégorie après le classicisme est vraiment le modernisme, incarné par le petit mouvement d’architecture De Stijl et le cubisme de Picasso, Chagall, Juan Gris et autres. Par souci de simplicité, j’appellerai la troisième catégorie le cubisme.
Le développement jusqu’à présent peut être retracé pour consister en des traductions de la photographie qui vont à l’encontre du sens de la chronologie — car dans un certain sens, le cubisme n’est que l’architecture de la photographie, le classicisme est vraiment la soi-disant inspiration ou la beauté mathématique superficielle de la photographie , et l’Apochryphe est simplement les images matérielles les plus frappantes qui peuvent être faites — encore une fois avec la photographie. L’histoire telle que décrite dans les trois premières catégories est aussi l’histoire des jeux vidéo, qui étaient d’abord simplement primitifs, deuxièmement visuels et troisièmement impliquant le mouvement. Mais quel est le thème commun de ces catégories initiales —- Je cite la photographie et dis manque d’imagination. Selon mon sens de l’histoire, chacune de ces catégories répondait innocemment à des motivations brutales qui se sont simplement déroulées de manière ennuyeuse tout au long du temps. Il n’y a pas de pouvoir psychique sans influence superstitieuse. Non, où est-il un dieu qui ne pourrait pas être éclipsé par la technologie. Il s’agit clairement de l’intrigue de certains éditeurs cosmiques qui tirent leurs inspirations drôles de la progression matérielle la plus simple et la plus évidente de l’histoire.
Le paroxysme, comme je l’appelle – le carburant de la réalisation, l’échec du paradoxe – est de traduire l’énergie dynamique du cubisme vers quelque chose qui n’est pas simplement de la photographie modulaire. Dans mon esprit, et dans l’esprit d’une poignée d’autres artistes, la réponse réside dans le travail de l’op-artiste pionnier, M.C. Escher. Pour certains, comme les étudiants de l’Ivy League, cela peut sembler être un cliché fourre-tout qui a épuisé son dernier nerf vital.
Mais la réalisation critique est que l’histoire ne réalisait pas une composante vitale de l’art: sa complexité. Les cubistes ont ancré le paradoxe et la confusion à la représentation, les classicistes pensaient que la confusion devait s’incarner dans un problème social humain, comme la guerre ou le théâtre. L’art apochryphe considérait la complexité comme la beauté de Dieu. Mais cela n’a pas été réalisé. Essentiellement, même dans une expression abstraite, il n’y avait pas de place pour le paradoxe. Et par conséquent, presque tout pourrait être interprété comme une cible pour la photographie modulaire, ou simpliste comme un livre pour enfants.
Pour moi, tout comme dans une certaine mesure avec les expressionnistes abstraits, ainsi qu’avec Chagall et Picasso, il y a une beauté dans la complexité, comme le inchoatia au début de la Bible. Ce n’était pas du «feu volé» ala Prométhée, ce n’était pas simplement de la «lumière», des «mathématiques» ou même du «formalisme». En substance, c’était Hyper. L’art n’était pas mort, l’art n’était pas une histoire de la photographie et des jeux vidéo, mais plutôt un coup divin, une « phase d’illusion de masse », la réduction des dilemmes métaphysiques qui avaient dérouté les philosophes aveugles pendant des centaines d’années. Ici, quelque chose était, un sens essentiel, un double paradoxe. Le sens n’était pas une contradiction sociale, ni une rébellion, ni même la rosée romantique de Kubla-Khan, mais plutôt une complexité minimaliste, contradiction qui avait été épargnée. Le concept n’était pas encore tout à fait devenu réalité. Pour M.C. Escher n’avait pas utilisé l’op-art d’une manière qui exprimait l’expression. L’illusion / complexité n’avait pas pris de l’ampleur pour se manifester comme un paysage émotionnel. La photographie n’était pas dépassée.
La quatrième catégorie, qui incarne le post-formalisme, est l’Hyper-Art, également appelé Dimensionnisme, et parfois appelé Hyper-Cubisme. Dans cette catégorie, contrairement au cubisme, il est permis de modifier les variables pour obtenir un effet. L’art peut être un ordinateur. L’art peut être n’importe quoi, tant qu’il est encore de l’art. Si l’art est moral, c’est parce que l’artiste est devenu pragmatique. Si l’art est historique, c’est parce que l’artiste est devenu progressiste. Si l’art est dramatique, c’est parce qu’il est accompli. Si l’art est mathématique, c’est parce que les mathématiques sont complexes. Si l’art reste formel, c’est parce que l’artiste est revenu au formalisme avec de nouvelles connaissances.
Dans cette multitude dense d’imputations, l’Hyper-Art semble l’emporter. Il a l’élément de contredire la photographie, redéfinissant paroxystiquement (par spasme philosophique) la nature même et le prétexte de l’art, du conceptualisme et de l’uniformité. Le pré-texte de l’art futur est d’aborder le paradoxe qui sommeille sous la photographie. L’art n’est ni l’accomplissement d’un média, ni l’adéquation d’un cadre. Il s’agit plutôt d’une pure esthétique, d’un pur moment, d’une texture cohérente de toutes les perspectives disponibles, qu’elles soient conceptuelles, situationnelles ou originales.
A l’avenir, l’art (peinture) doit progresser en contredisant le paradoxe. Mais la première contradiction est l’art qui incarne le paradoxe lui-même. Et la forme la plus aboutie d’Hyper-Art est un double paradoxe. Même lorsque ces futurs exemples d’esthétique émergeront, l’exemple de l’original restera, tout comme le cubisme était la conscience du formalisme, l’hyper-cubisme est l’exemple de l’art post-formel, et ironiquement c’est aussi un superbe exemple de formalisme, puisque Le cubisme a transformé toutes les formes d’art en types de formalisme. Vive l’Arté!
— Nathan Coppedge
Philosophe et artiste avant-garde
