Peinte en environ une semaine à la fin du mois d’août 1888, la série originale des tournesols de Van Gogh était conçue comme des pièces d’inspiration et de décoration pour sa «maison jaune» à Arles, en France. En prévision de l’arrivée du peintre Paul Gauguin plus tard dans l’année, Van Gogh voulait que sa maison et ses peintures reflètent la palette de couleurs extra-lumineuse et mystérieuse qu’il a trouvée dans la campagne environnante d’Arles et de la mer Méditerranée:
« La Méditerranée a les couleurs du maquereau, je veux dire changeantes. Vous ne savez pas toujours si elle est verte ou violette, vous ne pouvez même pas dire que c’est bleu, car l’instant d’après, la lumière changeante a pris une teinte de rose ou gris … Partout maintenant il y a du vieil or, du bronze, du cuivre, pourrait-on dire, et cela avec l’azur vert du ciel, blanchi de chaleur: une couleur délicieuse, extraordinairement harmonieuse, avec les tons mélangés de Delacroix. » [Excerpt from letters to Theo]
À son arrivée à Arles en février 1888, Van Gogh fut immédiatement inspiré et surpris par l’intensité de la couleur que l’on retrouve dans le sud de la France. Contrairement au ciel et au paysage du nord de l’Europe avec ses nuages et sa brume, le soleil flamboyant et le ciel lumineux du sud semblent avoir banni toute hésitation des peintures de Van Gogh. Des contrastes de couleurs audacieux et des rythmes en spirale inspirés des environs d’Arles se sont mis à couler à l’infini, comme dans un état d’extase soutenue. Réalisant près d’une toile par jour et écrivant des centaines de lettres, en 1888, Van Gogh peignit à un rythme effréné, atteignant une vitesse et une qualité de production incomparables pratiquement inégalées dans l’histoire de l’art.
Les tournesols comme cadeau de gratitude
Comme la plupart des peintures de Van Gogh avaient été exécutées sans personne en particulier, sa série de tournesol projetée était un léger départ en ce qu’elle était conçue comme un cadeau et une expression d’amitié. Alors que beaucoup de ses peintures semblent vous attirer et vous éloigner vers l’horizon, vous attirant dans à sa vision et à son monde, les tournesols de Van Gogh semblent atteindre en dehors et communiquez avec vous; c’est comme si vous pouviez les toucher. Ce sont des peintures qui visaient clairement à charmer et à réconforter, et elles sont peut-être d’autant plus étonnantes que le spectateur visé de ces peintures était un autre artiste que Van Gogh admirait tant: il savait que rien de moins que la magnificence n’impressionnerait Gauguin.
Peindre les tournesols
Lorsque Gauguin a finalement confirmé qu’il se dirigerait vers Arles (après avoir retardé pendant un certain temps) la tristesse et l’appréhension de Van Gogh ont été complètement dissipées. Avec un enthousiasme presque gustatif, il se lance dans le projet tournesol. Elle s’était étendue dans son esprit de six à douze toiles qui constitueraient une «symphonie en bleu et jaune» – affective, comme la musique, en vertu de leur couleur et de leur «technique simple», compréhensible par quiconque a les yeux dans la tête. Course pour achever ses toiles avant que les fleurs ne fanent, Vincent a travaillé fébrilement du lever au coucher du soleil, réalisant quatre des douze envisagés. Il a d’abord produit, en succession rapide, deux toiles comportant moins d’une demi-douzaine de fleurs, se déplaçant à côté d’une composition de « douze tournesols et bourgeons » (il y en a en fait plus) disposés dans un coffret en faïence jaune sur fond bleu-vert clair . Ayant achevé cette exploration de la lumière contre la lumière, il a peint un pendentif contrasté de la même taille et comportant le même vase jaune, mais «tout en jaune» les tournesols jaunes placés devant un fond jaune.
Par «technique simple», Vincent entendait une manière qui était exempte du pointillisme pointilleux. Et en effet, la procédure dans ces toiles représente son désaveu final du néo-impressionnisme. Il a commencé de façon habituelle, en établissant la composition avec un dessin de contour dessiné, en la renforçant avec des lignes peintes et en bloquant l’arrière-plan et les formes primaires avec de fines couches de peinture. Puis il a pris de la vitesse, chargeant parfois le pinceau avec de la couleur et à d’autres endroits en utilisant peu de peinture. Il n’a pas hésité à utiliser une couleur non mélangée directement à partir du tube et a souvent combiné des pigments de manière incomplète sur sa palette, de sorte que des veines de couleur distincte traversent des traits individuels.
Vincent a imaginé différents systèmes de pinceau pour chaque élément de l’image: le fond est un motif en natté; la table, une série de traits horizontaux lâches; les pétales des fleurs simples et des feuilles sont constitués de marques uniques ou de petites marques parallèles; les centres de ces fleurs sont peints avec des traits circulaires de lac rouge pur, parsemés d’un anneau d’empâtement jaune; les pétales des fleurs doubles pleines sont des traits courts et épais rayonnant à partir d’un centre plus fin. Ayant conservé la forme générale de la plupart des fleurs en réserve lors de l’application d’une couche de fond initiale, il a ajouté des pointes de pétales sur le sol final. Appliquant un nouveau pigment sur une zone sous-jacente ou adjacente encore humide avec un toucher contrôlé et confiant, Vincent n’a probablement consacré qu’une seule séance à chaque toile, renforçant plus tard quelques contours et ajoutant sa signature.
La série de tournesols Van Gogh, d’abord contemplée dans un esprit de solitude, célébrait désormais «l’espoir de Vincent de vivre avec Gauguin dans un studio à nous» tout en laissant entendre un sens croissant de la mission. Gauguin, pour sa part, s’est déclaré prêt à participer au plan de son ami, mais il ne ressentait en aucun cas le même mélange de désir personnel et idéologique.
Utilisant les innovations de la fin du XIXe siècle dans la fabrication de peinture, tout au long de 1888, Van Gogh avait utilisé des couleurs audacieuses et non mélangées les unes contre les autres pour un effet étonnant. Le jaune chrome, le jaune citron, le jaune zinc, le cadmium, le jaune paille, le bleu cobalt, l’ultamarine française, le viridean et le vert émeraude figurent tous fortement dans les tournesols de Van Gogh et ses travaux ultérieurs en général. Utilisant les forts contrastes littéraux, visuels et vibratoires entre les couleurs, les peintures de Vincent Van Gogh exploitent tout le potentiel de la couleur intense associée à un sens ondulant et en spirale du rythme.
Une analyse des tournesols de Van Gogh révèle la convergence de nombreux thèmes superficiels et ultérieurs dans la vie de l’artiste: son affinité pour la couleur jaune, son insistance sur la vitesse, son intensité focalisée sur certains objets et certaines personnes, et son affinité évidente pour le tournesol comme sa « fleur puissante », pour ainsi dire:
«Comme vous le savez, les pivoines sont à Jeannin, les roses trémières sont à Quost, et les tournesols, eh bien, les tournesols sont à moi.
De plus, l’un des seuls tableaux que Paul Gauguin a terminés lors de sa visite à Van Gogh à Arles était son portrait Vincent peignant des tournesols (voir la section Gauguin ci-dessous) qui parvient à capturer l’intensité calme de Van Gogh lorsqu’il s’agit de représenter ses sujets et ses paysages.
Amoureux du jaune
Concernant l’affinité de Vincent Van Gogh pour la couleur jaune, il est difficile de ne pas tirer cette conclusion d’un homme qui peint peut-être la représentation « jauniste » des tournesols dans l’histoire de l’humanité tout en louant une maison jaune et en peignant des centaines de représentations de champs de maïs, de champs de blé. , et bien sûr, le sauvagement doré, bibliquement teinté Le semeur plus tôt dans la même année. Dans une lettre à sa sœur Wilemina, Van Gogh a décrit les natures mortes de tournesol comme des «peintures toutes en jaune». Peut-être préfigurant la période bleue de Picasso au cours de laquelle l’artiste a considérablement réduit sa palette de couleurs à des résultats époustouflants, les tournesols de Van Gogh sont en effet une « symphonie en jaune » sauvage et vivante combinant une douzaine de nuances ou plus de jaune en une fusion singulière.
Peinture ‘In-the-Moment’
En ce qui concerne la vitesse, Van Gogh a non seulement peint à un rythme effréné, mais avait en fait besoin de peindre aussi vite que la nature elle-même afin de capturer le vent, le soleil, les arbres et bien sûr, les tournesols:
« Je propose de peindre une série de tableaux pour le studio dans l’espoir d’y vivre avec Gauguin. Rien que beaucoup de gros tournesols … Si je réalise mon plan il y aura une dizaine de tableaux. Le tout une symphonie en bleu et jaune. Je commence à travailler tous les jours à l’aube car les fleurs se fanent très vite, et il faut le peindre en une seule fois. «
Cette méthode de peinture «en une seule fois» a non seulement augmenté la production de ses peintures au cours des dernières années de sa vie, mais a ajouté à la concentration, à l’intensité et à l’expression singulière que beaucoup de ses peintures dégagent. Les vagues, les rivières, les spirales et les tourbillons de couleurs semblent couler spontanément dans l’instant et en harmonie avec les rythmes d’un univers beaucoup plus grand et plus grand qui se cache juste sous le lieu le plus commun des objets.
‘Peintre des tournesols’ de Gauguin
Avec Le peintre des tournesols, Gauguin représentait l’arrangement des tournesols que Vincent peint à la manière de la propre série August Sunflower de Van Gogh. Les deux capitules pleins (appelés doubles) sont positionnés de la même manière que ceux de la version jaune sur jaune, et la fleur supérieure de la toile de Gauguin correspond à celle échevelée en haut à gauche de celle de Vincent. Gauguin a suivi Vincent en renforçant fortement les contours des fleurs de rayon et en utilisant également des couches rouge foncé dans les disques centraux. Cette méthode dans la toile de Gauguin pourrait faire allusion à sa critique de Vincent comme une simple transcription des tournesols, et même l’application de peinture sur les tournesols eux-mêmes.
Le peintre des tournesols illustre la critique de Gauguin des habitudes de travail de Vincent et de leurs limites, dans le sens de l’acte d’accusation plus large qu’il annexera plus tard à l’une de ses représentations de son temps avec Vincent. Rétrospectivement, Gauguin soutiendrait que si les artistes du dix-neuvième siècle maîtrisaient le dessin comme langage de communication directe, aucun – pas même Delacroix – n’avait vraiment compris le potentiel expressif de la couleur.
La représentation globale de Vincent, cependant, est fictive: Van Gogh n’aurait pas pu peindre de vrais tournesols en décembre, car ils n’étaient pas de saison. En dépeignant la nature morte à la manière de Vincent, Gauguin a laissé entendre que ni lui ni Vincent n’ont directement observé le motif mais l’ont plutôt vu déjà transformé par l’imagination de ce dernier. En d’autres termes, ils ont travaillé en référence à des toiles de tournesol antérieures, pas à des tournesols réels.
Dotant Vincent d’une expression transe et absorbée, Gauguin a exécuté quelque chose de plus complexe que la caricature ou le ridicule. Lui et Vincent ont évidemment réfléchi au potentiel créatif de l’état entre l’éveil et le rêve. Gauguin brouille ici la ligne entre Van Gogh «voir Dieu» dans cet état de transe et être pris dans une sorte de stupeur accidentelle de débutant, bien que beaucoup les constituent comme des états synonymes. Vincent commentera plus tard la peinture et sa ressemblance avec sa ressemblance « C’est certainement moi, mais c’est moi qui suis devenu fou. »
La peinture de tournesol perdue (deuxième version)
Peinte dans le même laps de temps que les trois autres peintures de tournesol mentionnées ci-dessus, cette peinture de Van Gogh était considérée comme les «six tournesols» et était destinée à être placée dans un cadre orange. Autrefois propriété de Koyata Yamamoto, un riche collectionneur d’art japonais, le tableau a été détruit avec la maison du propriétaire le 6 août 1945 – le jour même où les États-Unis ont bombardé Hiroshima.
Bien que le tableau n’ait pas été victime de la bombe nucléaire, il était suspendu au-dessus d’un canapé dans la maison côtière de l’homme à Osaka lorsque le village a été détruit lors d’un bombardement américain le même jour. Près de sept décennies plus tard, en 2013, l’historien de l’art et conservateur britannique Martin Bailey est tombé sur une photographie en couleur du tableau caché dans une collection d’estampes Cézanne alors qu’il recherchait un livre sur les tournesols de Van Gogh.
Dans l’ensemble, Van Gogh’s Peintures de tournesol continue de fasciner le spectateur occasionnel et les historiens de l’art. Même 125 ans après la réalisation de ces quatre tableaux, ils continuent de nous surprendre et nous enchanter.
