Après la Première Guerre mondiale et jusqu’à l’apparition du nazisme au début des années 1930, l’Allemagne a été le berceau d’un nouveau style de film basé sur les caractéristiques stylistiques du mouvement expressionniste, comme l’utilisation du clair-obscur, des atmosphères oniriques et des angles et des angles exagérés. compositions. La date de naissance exacte de ce mouvement doit être placée à la fin de 1917, lorsque l’Universum Film AG (UFA) a été fondée par le gouvernement et l’armée allemands.
Il y a beaucoup d’études approfondies sur ce mouvement dans les livres, les magazines et même sur le WWW, mais ce petit essai n’est que ma réflexion originale et personnelle sur les films que j’ai eu l’occasion de regarder – et d’aimer.
Caligari! CALIGARI !!
Réalisé en 1919 par Robert Wiene, le cabinet du Dr Caligari est le film le plus paradigmatique du début de l’expressionnisme allemand.
Bref synopsis: une foire ambulante visite une petite ville allemande. L’attraction principale de cette foire est le stand du Dr Caligari, où un somnambule nommé Cesare (Conrad Veidt) est annoncé. Un des visiteurs pose au somnambule une question extrêmement intelligente: « Combien de temps vais-je vivre? » Le monstre répond: « Tu vas mourir demain … » Fait intéressant, l’homme – au lieu de rire – semble très inquiet de la prédiction du somnambule. Plus intéressant encore, il meurt le lendemain …
La direction artistique a été gérée par Walter Reimann et Walter Roehrig, membres du « Der Sturm group », un groupe d’art expressionniste berlinois, mettant en vedette des artistes de renommée mondiale tels que Bruno Taut et Herwarth Walden. Ils ont créé un maquillage original et fantastique qui remplit le film d’une imagerie de délire et met l’accent sur la psychodestruction du protagoniste.
La domination brutale de Caligari sur Cesare mi-somnambule / mi-zombie est facilement interprétable comme une métaphore des gouvernements fascistes et autoritaires qui ont vu le jour en Europe dans la première moitié du XXe siècle, comme l’explique Siegfried Kracauer dans son célèbre livre From Caligari to Hitler .
Nosferatu de Murnau
Ne me demandez pas comment, mais il y a quelques années, j’ai eu la chance d’obtenir une copie du premier film survivant de Friedrich Murnau, Schloß Vogeloed (Le château hanté, 1921). Je n’étais pas vraiment ravi, mais la beauté du maquillage, la fin étrange et dérangeante et l’utilisation étonnante du clair-obscur ont suffi à me faire introduire dans l’univers clair / sombre de Murnau, qui atteindra son zénith dans le film I reviendrai maintenant.
Un an après le tournage de Schloß Vogeloed, Murnau était prêt à filmer son chef-d’œuvre non divulgué: Nosferatu, eine symphonie des grauens est basé sur le roman de Bram Stoker Dracula, mais un procès avec la veuve de l’écrivain a forcé Murnau à changer certains aspects du film, tels que le le titre ou le nom du protagoniste (comte Orlok) Néanmoins, cela ne suffisait pas et, en raison du procès, presque toutes les copies du film ont été détruites. La Deutsche Film Production a pu sauver l’un d’eux et le film a finalement été présenté aux États-Unis en 1929.
Les incroyables performances de Max Schreck en tant que sinistre comte Orlok (extrêmement minces, pâles, dents de rat, nez de corbeau, comme une version transylvanienne de M. Burns de The Simpson), le charme et la peinture de ses paysages, et la beauté lyrique de la les textes placent le film au sommet du genre de l’horreur. Nosferatu est le film le plus cryptique et nécrophile, mais aussi onirique et romantique basé sur le vampire de Transylvanie, un véritable chef-d’œuvre que ni Tod Browning, Terence Fisher ou Francis Ford Coppola n’ont jamais dépassé.
Métropole
Avec Stanley Kubrick’s 2001, a space odyssey (1968) et Ridley Scott’s Blade Runner (1982), Metropolis de Fritz Lang est considéré comme la hauteur du cinéma de science-fiction de l’époque. L’influence dans les deux films postérieurs est évidente: les séquences d’ouverture de Blade Runner du LA sombre, futuriste et néo-industriel semblent rendre hommage aux paysages urbains étonnants de Metropolis (voir photo à gauche), tandis que dans le chef-d’œuvre de Kubrick, l’hommage est même dans le titre : L’histoire de Metropolis se déroule en l’an 2000, et Kubrick place son film un an après en hommage.
Mais alors que Blade Runner et les prédictions de 2001 étaient assez erronées (je n’ai vu aucun réplicant là-bas, et Saturne est toujours un peu difficile à atteindre), la vision fataliste de Metropolis de la classe ouvrière est une métaphore cruelle toujours valable à notre époque. Près de 40 ans plus tard, et sans relation directe avec ce film, Julio Cortázar a écrit une phrase qui reprend à elle seule le message tragique de Metropolis: « … l’humanité commencera à être digne de son nom le jour où l’exploitation de l’être humain par l’arrêt de l’être humain «
